Pablo Picasso (nacido el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, y fallecido el 8 de abril de 1973 en Mougins, Francia) fue un artista, escultor, grabador, escenógrafo y ceramista español expatriado. Picasso fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX. También fue uno de los fundadores (junto con Georges Braque) del cubismo. (Para obtener información adicional sobre el nombre de Picasso, consulte la Nota del investigador: Nombre completo de Picasso).
La gran cantidad de obras de Picasso todavía se conservan y su leyenda sigue contándose como testimonio de la energía que tenía el español «inquietante» de ojos «sombríos… penetrantes» que creía supersticiosamente que su trabajo mantenía vivo su espíritu. A lo largo de casi toda su vida, 91 años de existencia, Picasso se dedicó al arte de la creación, lo que contribuyó significativamente y fue parte de la evolución del arte y el diseño a principios del siglo XX.
EspañolCarrera y vida
Pablo Picasso era hijo de José Ruiz Blasco, profesor de dibujo, y María Picasso López. Su extraordinario talento para el dibujo se hizo evidente en sus primeros años, a los 10 años cuando era alumno de su padre en A Coruña, donde la familia se trasladó en 1891. Desde entonces, su capacidad para explorar las técnicas que le enseñaban y descubrir nuevos métodos de expresión rápidamente le ayudó a superar el talento de su padre. Luego, en A Coruña, el padre cambió sus ambiciones hacia las de su hijo, proporcionándole modelos y orientación para su primera exposición allí a la edad de 13 años.
La familia se trasladó a Barcelona en el otoño de 1895. Pablo se incorporó a la academia de arte de la ciudad (La Llotja) en la que su padre fue nombrado para su último puesto como profesor de dibujo. La familia tenía la esperanza de que Pablo tuviera éxito como artista académico y en 1897, su futuro reconocimiento en España era evidente; Ese mismo año, la obra Ciencia y caridad, de la que su padre fue modelo para el médico, recibió un reconocimiento honorífico durante la Exposición de Bellas Artes de Madrid.
Estaba claro que la capital española, Madrid, era un destino ideal para un joven artista empeñado en ganar reconocimiento y satisfacer las expectativas familiares. Pablo Ruiz partió a Madrid en el otoño de 1897. Se matriculó en la Real Academia de San Fernando. Aunque le decepcionó que el plan de estudios allí fuera ineficaz, pasó la mayor parte del tiempo registrando lo que sucedía a su alrededor, en los cafés, en las calles, en los burdeles, así como en el Prado de Madrid, donde se encontró con la pintura española. Sus palabras fueron: «El Museo de pinturas es magnífico. Velázquez es de primera línea y El Greco tiene unas cabezas magníficas, Murillo no me convence con cada una de sus pinturas». Las obras de estos y otros artistas llamarían la atención de Picasso en varios momentos a lo largo de su dilatada carrera. Goya fue uno de ellos. fue un artista cuyas obras copió Picasso en su trabajo en el Prado en el momento de su muerte en el año de 1898 (un retrato del torero Pepe Illo así como un dibujo en uno de sus Caprichos Bien tirada está, que representa al personaje Celestina examinando las medias de una joven maja). Los mismos personajes aparecen en su obra posterior, incluido Pepe Illo en una colección que consta de grabados (1957) así como Celestina como un autorretrato tipo voyeurista, particularmente como parte de la secuencia de grabados y aguafuertes llamada Suite 347 (1968).
Picasso enfermó a principios de la primavera de 1898 y estuvo confinado el resto del año en Horta de Ebro, una comunidad catalana situada en Horta de Ebro, junto con su íntimo amigo barcelonés Manuel Pallares. Cuando Picasso pudo regresar a Barcelona a principios de 1899, era un hombre diferente: había ganado algo de peso; había tomado la decisión de vivir de forma independiente en el paisaje; podía hablar catalán y, quizás lo más importante, tomó la decisión de abandonar la escuela de arte a la que asistía y de no creer en los planes de su familia con respecto a su carrera. Comenzó a exhibir una preferencia inquebrantable por el nombre de su madre y, a menudo, sus obras estaban firmadas como P.R. Picasso. A finales de 1901, había descartado por completo el Ruiz.
En Barcelona, Picasso formaba parte de un conjunto de escritores y artistas catalanes con la mirada puesta en París. Eran conocidos suyos que estaban en el restaurante Els Quatre Gats («Los Cuatro Gatos», en honor al Chat Noir [«Gato Negro» de París) donde Picasso fue el primero en exponer su obra en una muestra en Barcelona en febrero de 1900. Fueron el tema de más de cincuenta pinturas (en técnica mixta) en la exposición. También había una inquietante y oscura pintura «modernista», Últimos momentos (más tarde retirada) que representaba la visita del sacerdote al lecho de muerte de una mujer, que fue seleccionada como parte de la parte española de la Exposición Universal de París de ese año. En un intento de ver su obra expuesta y ver París en persona, Picasso partió con su colega artista Carles Casagemas (Retrato Carles Casagemas Carles Casagemas 1899) para sitiar la ciudad, al menos una zona de Montmartre.
Descubrimiento de París
Uno de los descubrimientos artísticos más importantes de Picasso durante su viaje (octubre-diciembre) fue el color. No se trata de los aburridos colores típicos de la paleta española, ni de los chales negros de las mujeres españolas ni de los ocres y marrones oscuros que dominaban el paisaje español, sino de un color impresionante, el tono que era el color de Vincent van Gogh, de la moda moderna y de una ciudad que celebraba la exposición universal. Utilizando pasteles, carboncillos, acuarelas, óleos y pasteles, Picasso registró la vida en la capital francesa (Los amantes en la calle, 1900). En el cuadro El molino de la Galette (1900), el artista rindió homenaje a artistas franceses como Henri de Toulouse-Lautrec y el suizo Théophile Alexandre Steinlen, así como a su compatriota catalán Ramon Casas.
En dos meses, Picasso estaba de vuelta en España con Casagemas, que estaba deprimido por un romance fallido. Después de no poder entretener a su amigo con una broma en Málaga, Picasso se fue a Madrid, en el centro de la ciudad, donde fue empleado como editor de arte en la nueva revista Arte Joven. Casagemas estaba de vuelta en París e intentó matar a su amante y después se suicidó. El efecto en Picasso fue profundo: no sólo perdió a su amado amigo y tal vez se sintió culpable por haberlo decepcionado, sino que, lo que es más importante, ganó experiencia emocional y material que inspiraría la vívida calidad expresionista de su obra del llamado Periodo Azul. Picasso creó dos retratos de la muerte de Casagemas en un par de meses en el año 1901, así como dos escenas de funeral (Los dolientes en la evocación y La evocación de los dolientes) y, en 1903, Casagemas apareció como artista en la enigmática obra La vida.
Periodo azul de Pablo Picasso
Entre 1901 y mediados de 1904, cuando el azul era el color predominante en sus obras de arte, Picasso se trasladaba de Barcelona a París y de allí a París, llevando el material para sus cuadros de una zona a otra. Por ejemplo, sus visitas a la prisión de mujeres de Saint-Lazare en París durante los años 1901-02 le proporcionaron modelos libres y un tema atractivo (La sopa [1902]) y quedaron patentes en sus cuadros de gente de la calle de Barcelona, náufragos solitarios o ciegos y mendigos en el período 1902-1903 (Mujer en cuclillas [1902]; La comida del ciego [1903]; El viejo judío de joven; El viejo judío y un niño). El tema de la maternidad (las mujeres podían tener a sus hijos amamantados en la prisión) también fue un tema importante para Picasso en medio de un período en el que Picasso buscaba materiales que pudieran transmitir lo mejor posible los temas tradicionales del arte del siglo XX.
La transición desde París y el Período Rosa
Picasso finalmente decidió mudarse definitivamente a París en la primavera de 1904 y su obra es un reflejo de ese cambio en su perspectiva y, en particular, una reacción a varios movimientos artísticos e intelectuales. Saltimbanquis y circos ambulantes fueron un tema que discutió con su nuevo e importante amigo Guillaume Apollinaire. Tanto el poeta como el pintor, estos artistas errantes (Muchacha haciendo equilibrio sobre una pelota en 1905; El actor [1905]) fueron una especie de evocación del lugar del artista en el mundo moderno. Picasso hizo esta distinción específicamente con su Familia de saltimbanquis (1905), donde asume el papel de Arlequín y Apollinaire se convierte en el poderoso (según su amistad con el poeta André Salmon).
La situación personal de Picasso también cambió cuando, a finales de 1904, Fernande Olivier se convirtió en su amante. Su presencia fue la inspiración para muchos de sus trabajos en los años anteriores al cubismo y, en particular, su excursión a Gosol durante el año 1906 (Mujer con panes).
El color de los colores no era un ajuste natural para Picasso, quien volvió a una paleta predominantemente española (es decir, unicromática). Los tonos que eran característicos del Período Azul fueron reemplazados desde finales de 1904 hasta 1906 durante el conocido como Período Rosa por los de la carne, la cerámica e incluso la propia Tierra (El harén, 1906). Picasso parece haber estado experimentando con el uso del color como una forma de lograr una forma más escultórica, específicamente en el año 1906 (Dos desnudos en el baño). El Retrato de Gertrude Stein (1906) y el Autorretrato con paleta (1906) de Picasso demuestran este progreso y el impacto de su descubrimiento de la escultura ibérica arcaica.
Collage
En 1912, Picasso y Braque pegaban papeles reales (papier colle) y otros materiales (collage) sobre sus lienzos, dando así un paso más hacia la idea cubista de la obra como un objeto que podía construirse por sí mismo. La fase sintética (1912-14) se caracterizó por el regreso del color y los materiales reales presentaban típicamente un tema industrial (por ejemplo, arena o papel pintado impreso). Naturalezas muertas y, a veces, cabezas fueron los objetos principales de ambos artistas. En la obra de Picasso, las numerosas referencias en sus composiciones sintéticas (curvas que hacen referencia a guitarras pero al mismo tiempo a oídos, por ejemplo) introducen el elemento de juego que es un sello distintivo de su arte (Estudiante tocando flautas, 1913) y crean la noción de que una cosa se transforma en otra. Vaso de absenta (1914, seis versiones) Por ejemplo, es en parte escultura (bronce fundido) y en parte collage (un colador de azúcar de plata real está unido a la parte superior) y también en parte pintura (pinceladas neoimpresionistas cubren los planos con pigmento blanco). La obra no es pintura, collage o escultura, ya que los planos hacen referencia a la bidimensionalidad mientras que la obra en realidad tiene tres dimensiones. La obra de arte, por lo tanto, se encuentra a caballo entre la ilusión y la realidad.
En 1915, la vida personal de Picasso había cambiado y, en cierto sentido, su estilo también. El año terminó con el fallecimiento de su amada Eva y el cuadro en el que trabajó cuando ella estaba enferma (Arlequín [1915-1915]) es un testimonio de su pérdida: un artista mitad Arlequín, mitad Pierrot, frente a un caballete, está posicionado para sostener un lienzo inacabado sobre un fondo negro.
Desfile
La Primera Guerra Mundial dispersó el círculo de Picasso. Apollinaire, Braque y otros partieron al frente y la mayoría de los compatriotas españoles de Picasso regresaron a su país de origen. Picasso continuó viviendo en Francia en 1916 y su asociación con el compositor de música Erik Satie lo llevó a un grupo de vanguardia que estuvo activo durante todo el conflicto. El autoproclamado líder de este grupo de artistas que frecuentaba el Café de la Rotonde fue el poeta de sus primeros años, Jean Cocteau. Su plan de montar el espectáculo de guerra junto con los Ballets Rusos de Serge Diaghilev dio como resultado la producción de Parade the Musical, que era un espectáculo de entretenimiento para circo que incluía imágenes del siglo XXI, incluidos rascacielos y aviones. Cocteau fue presentado por primera vez a Satie para grabar las canciones, y más tarde fue a Picasso para la escenografía y el vestuario. El trabajo comenzó en 1917 y, aunque a Picasso no le gustaba viajar, aceptó viajar junto con Cocteau a Roma para unirse a Diaghilev y al coreógrafo de Parade, Leonide Massine. Ese día, Picasso conoció a su novia, Olga Khokhlova, entre los bailarines.
Parade se estrenó en mayo de 1917 en el Theatre du Chatelet de París, Francia, y fue visto como nada menos que un complot para debilitar la unidad que era el sello distintivo de la cultura francesa. Se cree que Satie fue la víctima principal de la violencia (en parte debido a la inclusión de hélices de aviones y máquinas de escribir en su partitura), ya que Picasso sorprendió al público al contrastar su telón de escenario, que era esencialmente real, con los asombrosos trajes sintéticos cubistas que llevaban los actores y los directores de los espectáculos durante la actuación.
Historia del arte
En su obra final, Picasso recurrió con frecuencia a la historia de su arte como tema. A menudo se vio obligado a hacer una nueva versión de la obra de artistas anteriores y, como resultado, en sus numerosos dibujos, grabados y pinturas de ese período, hace referencia a artistas como Albrecht Altdorfer, Edouard Manet, Rembrandt, Eugene Delacroix y Gustave Courbet. En muchos casos, Picasso produjo una colección completa de variaciones de una obra específica, siendo una de las más conocidas la de Las Meninas de Velázquez compuesta por 58 fotografías independientes. A veces, Picasso modificó una obra en particular simplemente porque estaba personalmente conectado con el tema. Por ejemplo, le fascinaron las Femmes d’Alger de Delacroix porque la figura de la derecha se parecía a Jacqueline. En muchos casos, le fascinaba la necesidad de resolver con su propio estilo los problemas narrativos y pictóricos multifacéticos que habían planteado artistas anteriores. En cierto modo, Picasso está escribiendo la historia de su propio mundo artístico a través de esta conexión con una variedad de sus contemporáneos.
Hay un renovado sentido del humor en el último período de Picasso. Convirtió recortes de papel en esculturas gigantescas. Y en la película de Henri Georges Clouzot Le Mystere Picasso (1956), Picasso, el artista que es el único protagonista, actúa como un mago, ejecutando trucos con su pincel. Finalmente, cuando su atención se vio atraída por las obras de arte de los maestros anteriores a él, reelaborando sus obras con una variedad de variaciones, volvió a su trabajo anterior, impulsado por el mismo impulso. El circo y el taller del artista volvieron a ser el escenario de sus personajes, en los que a menudo se presentaba como un viejo artista de circo o un rey.
Legado
Dado que la obra de Picasso durante el período de sus Demoiselles fue de naturaleza revolucionaria, prácticamente cualquier artista del siglo XX pudo evitar su influencia. Además, mientras que otros maestros como Henri Matisse o Braque tendían a mantenerse dentro de ciertos límites estilísticos, Picasso continuó siendo un innovador durante el último año de su vida. Esto provocó confusión y muchas críticas durante su época y después, pero fue solo a finales de la década de 1980 cuando sus cuadros más famosos fueron elogiados por sus propios méritos y también por su influencia en la nueva generación de jóvenes artistas. Sin embargo, como Picasso pudo en la década de 1920 ofrecer sus obras a precios muy altos, también pudo conservar una gran parte de su trabajo en su colección privada. Cuando murió, tenía 50.000 obras en diferentes soportes de cada etapa de su vida. Una parte de ellas fue donada al estado francés y el resto a sus sucesores. La exposición y publicación de estas obras permitió apreciar al máximo la extraordinaria capacidad de invención y ejecución de Picasso a lo largo de casi 80 años.
